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Circus News

{:en}Graduates Causing Friction at CNAC{:}{:fr}Les Diplômés du Cnac Causent des Frictions{:}


The quiet pulse of house music rises slowly as the audience settles in. In the center of the circus ring we see a large white parachute bubble, and underneath there are shadows cast by  slowly moving bodies who seem to pick up the pace a bit just as the sound level rises. It happens over a matter of minutes, but soon the whole tent is filled with the thrum of bass and the small tent full of shadows before us is thrashing around as if at their own private dance club. That is how the show begins.

The last phase of the CNAC student experience is called professional integration and it consists in the creation and presentation of the graduation show which validates the student’s circus degree. It’s the ultimate hands on experience for graduates about to launch their professional career, and a bumper between the intimate world of circus school and the wider playing field of circus professionals. The show plays a short time on the home stage before moving to the La Villette location each year to reach a Paris audience, then finally going on a tour around France for a few months.

In this year’s fascinating graduate show of the CNAC students, directors Antoine Rigot (Les Colporteurs) and Canadian director Alice Ronfard made bold statements with their direction, but not in any predictable way. There is neutral costume palette among the 17 performers in F(r)ICTION. If they are out to rub us the wrong way as their title suggests, it is not by what they wear, essentially beige underwear. Among them there is even neutral gender as each performer wears a beige sports bra as well as beige bottoms, occasionally donning a beige dress for some scenes. The lighting too is low-key, making the ground acts appear almost hazy in the circus tent. All combine to focus the senses on what matters, the movement and the music which is anything but neutral.

The music, created by Gaspard Panfiloff, is the real partner to the performers, setting the mood in a striking way as it oscillates between modern and old, inspiring the artists themselves to ungulate between the charming but more formal gestures of ancient times and the more casual, flowing movements of today’s world. But time travel is not the only feat accomplished by the graduating class of CNAC, they also make a point to transcend and meld their disciplines by blurring the lines between ‘acts’. While the variations in music and dance styles jolt us awake and confront us with time, the ease with which the performers slip between circus genres (and even out of circus genres to add dance, guitar, singing) creates a lulling effect and a sense of deja vu at the same time as the audience perspective is asked to change over and over again with that of the performers.

Although it begins with a contemplative scene under a bubble tent that escalates to a dance party, it quickly moves on–a handbalancer (Lucille Chalopin) is supported by the group and collective acrobatics evolves from the congregation until the tall bearded performer (Hernan Elencwajg) puts on a beige tunic like the others and suddenly conveys some Jesus–like religious symbolism. Lili Parson navigates her cyr wheel deftly around the same helpful mob, who then effortlessly catch the acrobat with banquine style moves soon after. A roller skater (Hamza Benlabied) becomes airborne on straps and the fluidity and sudden weightlessness is gasp-inducing. Swinging trapeze artist Lea Lepetre does her stunts over the heads of each of her companions as they lay underneath her trapeze, waiting to catch her and absorb the impact  should she miss a beat. It would seem to have no rhyme or reason, this flow, but it does have a rhythm and that rhythm is stirring, like watching a universe unfurl and create its own meaning as it goes. Each act unfolds from the preceding one and traces some ancient societal impulses. There is no jarring pause for applause between performances–this is a true ensemble, and the music takes you effortlessly in to the mood required for the next event.

Intriguingly, you are not alone. Each step of the way in the ring, a little further in than you, but still outside of the action, is a watcher just like you. She sits and views what is happening. Sometimes she is transfixed. Other times she is bored and upon occasion she is agitated. Her reactions might rarely match yours, but you don’t pay much attention to her because there is so much more happening in the ring. It’s just curious and a bit unsettling to be reminded that because she is part of the show, by extension, so are you.

Group trust and coherence is a vivid theme throughout the whole show as each discipline and apparatus is interacted with by the whole ensemble in some way. On tightrope, a playful moment arises between the tightrope walker (Poppy Plowman) and a hair hanger (Lili Parson) who leaps to the wire with the stealth of Peter Pan and is able to dodge away again just as gracefully. A white pole is erected and two Chinese pole acrobats (Leon Volete and Joad Caron)  intermingle with the wire artist, matching beat and tempo, leaping from one apparatus to another. A rock band riffs defiantly while a Russian cradle is constructed and soon the larger half of the duo (Johannes Holm Veje) is throwing his smaller and sassier partner (Martin Richard) through the air in astonishing ways while the team hangs along the bars like true primates, egging him on. Even Korean plank is subject to this team work briefly when they all stand on the plank together and scramble to jump off before they get jettisoned away by fierce flips of Hernan Elenwajc and Tanguy Pelayo.

The only mix that isn’t truly achieved in F(r)ICTION, even in the attempts to be gender-balanced in the show, is the gender role evident in the choice of the disciplines themselves. What is it that attracts the women to trapeze and the men to Korean plank for example, while both men and women often can be seen on cyr wheel, as was the case in this show with Jules Sardoughi and Lili Parson? While these conventions are often toyed with in the professional world, in the school setting, the males tend to line up with the more high risk disciplines and the females to take on the artistic ones–with group acrobatics being the one playing field that requires all types.

At the end, the watcher becomes part of the group by rising from her chair where she has writhed in excitement and boredom up until now. She (Gwenn Buczkowski) ascends to the fixed trapeze where she is serenaded on guitar while she performs a stark and original act, at last conveying the worldly angst she has kept bottle up as the observer thus far. In the final scene, the team emerges in formal mode again, dancing a beautiful waltz in plastic white skirts around a low swinging trapeze. As they circle around Sandra Reichenberger on trapeze, she looks on in wonder but flies just above the action, as if observing a simpler time and finding inspiration. The observer observes this with us and for a moment she almost seems as transfixed as we are with the poetry of it all.

All photos courtesy of Christophe Raynaud de Lage
Alejandra Rojas

Born and raised in France by her Chilean parents, Alejandra now lives in Montreal with her British husband and two kids. After graduating with a Master’s degree in Communication, she spent a few years working in publishing and advertising where she was often tasked with translations. She moved to Montreal in 2012 and decided to follow her passion and pursue a career in translation. She is now working as a freelance translator while studying for a Certificate in Translation at the University of Montreal.
Kim Campbell
Writer - USA
Kim Campbell has written about circus for CircusTalk.News, Spectacle magazine, Circus Now, Circus Promoters and was a resident for Circus Stories, Le Cirque Vu Par with En Piste in 2015 at the Montreal Completement Cirque Festival. They are the former editor of CircusTalk.News, American Circus Educators magazine, as well as a staff writer for the web publication Third Coast Review, where they write about circus, theatre, arts and culture. Kim is a member of the American Theater Critics Association.


Le public s’installe au son des pulsations d’une musique house discrète qui s’élève peu à peu. Au centre de la piste, un grand parachute blanc se soulève. Dessous, des ombres se meuvent lentement puis accélèrent le rythme au fur et à mesure que le volume augmente. Quelques minutes seulement s’écoulent avant que le chapiteau entier ne se remplisse d’un vrombissement de basses et que les ombres, sous le parachute, ne se mettent à danser frénétiquement comme si elles se trouvaient dans une boîte de nuit privée. C’est ainsi que démarre le spectacle.

La dernière phase du cursus du Cnac, dite d’insertion professionnelle, consiste notamment en la création et la présentation du spectacle de fin d’études qui valident le diplôme d’artiste de cirque. Il s’agit du dernier spectacle avant de quitter le monde confiné de l’école du cirque et d’entrer dans le monde du cirque professionnel. Le spectacle se joue pendant une brève période sur la scène du Cnac puis s’installe à la Villette pour être présenté à un public parisien avant de partir en tournée en France pendant quelques mois.

Dans le cadre de ce spectacle fascinant présenté par les étudiants du Cnac, les metteurs en scène Antoine Rigot (Les Colporteurs) et la Canadienne Alice Ronfard ont voulu faire passer un message audacieux et imprévisible. La couleur des costumes des 17 artistes dans F(r)ICTION est neutre. Si, comme le titre le suggère, ils ne sont pas là pour nous brosser dans le sens du poil, le choix des couleurs des costumes (des sous-vêtements beiges) semble inoffensif. On y trouve même une recherche de neutralité de genre avec des artistes qui portent tous des brassières et des culottes beiges, voir des robes beiges dans certaines scènes. Le jeu de lumière est sobre aussi, créant presque l’illusion d’une brume couvrant la scène. Le but de cette sobriété est de nous permettre de nous concentrer sur ce qui compte : le mouvement et la musique qui eux, sont loin d’être neutres.

La musique, composée par Gaspard Panfiloff, est le véritable partenaire de chacun des artistes. Elle impose une ambiance saisissante qui oscille entre le moderne et l’ancien et qui pousse les artistes à passer de mouvements charmants, mais formels d’un temps passé, à des mouvements plus désinvoltes, caractéristiques du monde d’aujourd’hui. Le voyage dans le temps n’est pas la seule prouesse accomplie par les diplômés du Cnac : ils transcendent et fusionnent les différentes disciplines en brouillant les frontières entre chaque numéro. Alors que les variations de musique et de styles de danse nous secouent et nous confrontent au temps qui passe, l’aisance avec laquelle les artistes passent d’une discipline à l’autre, certaines en dehors du champ des disciplines du cirque telles que la danse, la guitare et le chant, nous berce et créée une sensation de déjà-vu. Le point de vue du public, qui suit le point de vue des artistes, est en constante évolution.

Le spectacle commence par une scène qui se déroule sous une tente en forme de bulle et dont l’ambiance est presque méditative et se transforme peu à peu en fête dansante. C’est ensuite au tour de l’équilibriste Lucille Chalopin soutenue par le reste de la troupe, puis des acrobaties collectives émergent jusqu’à ce que Hernan Elencwajg, grand et barbu, enfile une tunique beige évoquant Jésus. Avec dextérité, Lili Parson se déplace dans sa roue Cyr autour de la troupe qui l’entraîne dans un numéro de banquine. Une patineuse à roulette (Hamza Benlabied) est soulevée dans les airs par des sangles, sa fluidité et sa soudaine légèreté sont à couper le souffle. La trapéziste Léa Leprêtre fait son numéro aérien au-dessus de ses camarades allongés sous le trapèze, prêts à amortir la chute dans le cas où elle viendrait à manquer un temps. Il ne semble y avoir ni rime ni raison, mais il y a un rythme et ce rythme est émouvant, comme si l’univers se déployait sous nos yeux en nous révélant sa raison d’être. Chaque numéro découle du précédent mettant ainsi en valeur des principes fondamentaux de société. Iln’y a pas de pauses pour les applaudissements, la musique entraîne naturellement le spectateur d’une atmosphère à une autre.

Curieusement, le spectateur n’est pas seul. En tout temps, sur la piste, se trouve une personne en dehors de l’action qui regarde, tout comme le spectateur. Elle est assise et elle observe ce qu’il se passe. Parfois, elle est subjuguée. Parfois, elle s’ennuie et elle s’agite. Ses réactions ne sont pas toujours les mêmes que celles du spectateur, mais on n’y prête pas tellement attention, car il se passe tant de choses sur la piste. La présence de cette observatrice est à la fois curieuse et déstabilisante. Elle est la preuve que le spectateur fait partie intégrante du spectacle.

La cohésion du groupe et la confiance entre les membres est un thème saillant du spectacle. Chaque artiste est impliqué d’une façon ou d’une autre dans chaque numéro. La funambule (Poppy Plowman) s’amuse avec Lili Parson qui, pendant son numéro de natte suspendue, bondit furtivement sur la corde raide tel Peter Pan puis s’esquive avec tout autant de grâce. Un mât chinois est érigé et les deux acrobates, Léon Volet et Joad Caron, s’entremêlent avec le fildefériste, adoptant le même rythme et sautant d’un appareil à l’autre. Un groupe de rock joue un riff au moment où se forme un portique coréen. Le porteur du duo (Johannes Holm Veje) fait voler le voltigeur (Martin Richard) dans les airs pendant que le reste de la troupe l’encourage à lancer toujours plus haut. Même la bascule coréenne est assujettie à ce travail d’équipe au moment où tous les acrobates qui se trouvent dessus se ruent soudainement pour s’en sauver avant d’être éjectés par les sauts acharnés de Hernan Elenwajc and Tanguy Pelayo.

La seule chose que l’on pourrait reprocher à la mise en scène est que malgré la parité des sexes, le choix des disciplines est très genré. Qu’est-ce qui fait que les femmes sont attirées par le trapèze et les hommes par la bascule coréenne alors que l’on voit autant d’hommes que de femmes manier la roue de Cyr comme dans ce spectacle avec Jules Sardoughi et Lili Parson?Bien que l’on joue avec ces conventions dans le monde du cirque professionnel, dans le cadre scolaire, les hommes tendent à préférer les disciplines plus à risques alors que les femmes choisissent les disciplines artistiques. Les acrobaties de groupes sont les seuls moments où cette différence n’existe plus.

À la fin du spectacle, la personne qui observait depuis la scène se lève de la chaise sur laquelle elle s’était tour à tour tortillée d’excitation et ennuyée pour aller se fondre dans le groupe. Elle (Gwenn Buczkowski) s’élève sur le trapèze fixe, une guitare lui joue une sérénade pendant qu’elle exécute un numéro original et saisissant, exprimant enfin le mal-être qu’elle avait refoulé jusque-là en tant qu’observatrice. Dans la scène finale, la troupe réapparaît, chaque membre vêtu d’une jupe blanche en plastique et, sur un ton plus formel, danse une valse magnifique, autour d’un trapèze. Alors que la troupe forme un cercle autour de Sandra Reichenberger sur son trapèze ballant, elle regarde émerveillée tout en survolant l’action, comme témoin d’une époque plus simple qui la remplit d’inspiration. L’observatrice observe avec nous et, l’espace d’un instant, parait aussi subjuguée que les spectateurs par la poésie de ce moment.


Alejandra Rojas

Née en France de parents chiliens, Alejandra vit à Montréal avec son mari anglais et leurs deux enfants canadiens. Après avoir obtenu une maîtrise en communication politique et publique à Paris, elle a passé quelques années en Angleterre où elle a travaillé dans le monde de la presse et de la publicité. C’est là que les travaux de rédaction et correction l’ont naturellement menée à la traduction. En 2012, fraîchement installée à Montréal, elle a décidé de suivre son cœur : elle a entrepris des études à l’Université de Montréal pour obtenir sa certification et est devenue traductrice-pigiste.
Photos fournies avec l’aimable autorisation de Christophe Raynaud de Lage


Kim Campbell
Writer -USA
Kim Campbell has written about circus for CircusTalk.News, Spectacle magazine, Circus Now, Circus Promoters and was a resident for Circus Stories, Le Cirque Vu Par with En Piste in 2015 at the Montreal Completement Cirque Festival. They are the former editor of CircusTalk.News, American Circus Educators magazine, as well as a staff writer for the web publication Third Coast Review, where they write about circus, theatre, arts and culture. Kim is a member of the American Theater Critics Association.


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Kim Campbell

Kim Campbell has written about circus for CircusTalk.News, Spectacle magazine, Circus Now, Circus Promoters and was a resident for Circus Stories, Le Cirque Vu Par with En Piste in 2015 at the Montreal Completement Cirque Festival. They are the former editor of CircusTalk.News, American Circus Educators magazine, as well as a staff writer for the web publication Third Coast Review, where they write about circus, theatre, arts and culture. Kim is a member of the American Theater Critics Association.